Ma quanto bel CGI, Sam Raimi, ma quanto bel CGI.

Oz the Great and Powerful racconta la storia di come Oz, all’anagrafe Oscar Diggs, un illusionista truffaldino che, scappando dalla sua ultima avventura finita male a bordo di una mongolfiera, si ritrova improvvisamente ad Oz.

Il prequel de “Il Mago di Oz” ripercorre in maniera piacevole alcuni elementi dell’originale: la prima parte è girata con un frame quadrato ed in bianco e nero, mentre nella parte principale del film i colori esplodono, così come gli occhi dello spettatore. Il magico mondo di Oz torna sul grande schermo in una sinfonia di effetti speciali; gran parte delle location è ricostruita a computer, così come lo sono due dei personaggi principali, China Girl e la scimmia volante Finley. Questo però è uno dei casi in cui gli autori si sono lasciati prendere la mano: il dettaglio con cui è stata ricreata Oz è ammirevole, ma purtroppo si perde nel continuo succedersi di eventi e movimenti impazziti della cinepresa, sì finendo per causare più nausea che meraviglia.

In un tentativo pregevole di uniformare l’aspetto visuale del film, anche gli attori veri vengono plastificati; tra la magia del make-up e lo smarmellamento computerizzato, le protagoniste femminili (ma anche James Franco) sono improvvisamente private di ogni ruga, ma anche di ogni espressione facciale. L’intero film è, molto appropriatamente ma forse esageratamente, irreale.

Non è solo l’aspetto visivo ad avere dei problemini. Trattare gli spettatori come degli idioti non è mai una buona idea: Oz the Great and Powerful è un continuo spiegone, un continuo riassunto di cos’è successo dall’inizio del film ad allora, una completa rottura di balle. La trama si muove velocemente in un turbine di inseguimenti, ricerche e allegre sfilate di costumi bizzarri, ma ogni volta che i personaggi aprono bocca viene voglia di strapparsi le orecchie: non c’è la minima traccia di ironia, non c’è una battuta di spirito che sia una. A Oz il sarcasmo è chiaramente illegale, perché i personaggi sono spappolati nella loro bidimensionalità.

L’unico elemento spassoso dell’intero film è ovviamente James Franco, che prende pochissimo sul serio quello che sta facendo; sembra di poter leggere nei suoi occhi la frase “Guardate, sono James Franco e sono in un film da bambini! Guardate come faccio il burlone!”. Quando Michelle Williams, Rachel Weisz e Mila Kunis (tutte bravissime, per carità, visto il materiale con cui stavano lavorando) declamano i loro sbrodolamenti melodrammatici, Franco sembra costantemente sul punto di scoppiare a ridere loro in faccia.

Un altro dettaglio che ha fatto rivoltare le viscere a me, giovane femminista imbizzarrita: con ben tre coprotagoniste femminili, il salvatore dell’umanità e unico in grado di regnare su Oz è sempre e solo un uomo. Le tre streghe hanno poteri incommensurabili, hanno governato per anni (distruggendo il regno, ok, ma era il piano malefico di Evanora!) e ancora una volta serve un mago maschio per riportare l’ordine. Il messaggio non è particolarmente rilevante nel contesto del film, ma non fa che amplificare la mia irritazione nei confronti degli sceneggiatori.

Oz the Great and Powerful è un film Disney costruito nella maniera più classica: ogni personaggio ha il suo ruolo definito, non c’è spazio per ambiguità e livelli di interpretazione diretti agli adulti, le donne vengono messe al loro posto da un uomo (Merida, torna da noi). L’effetto generale non è devastante, ma non vale nemmeno i soldi del biglietto per chi non sia un fan feroce del 3D e vada a vederlo per ragioni puramente tecniche. Non fatemi pensare a quel che potevo fare con le £12 del biglietto dell’IMAX. Almeno ho visto la faccia di James Franco alta come un campo da calcio.

file under: Seriamente?!
voto finale: 2/5
coefficiente pianto 1/5: Chi ha meno di 6 anni potrebbe rimanere traumatizzato da Mila Kunis.
trivia: Allarme titoli di testa strepitosi!

Su Junkiepop parlo di film animati nella rubrica Animati:

• i candidati a Best Animated Feature agli 85th Academy Awards
• Ernest et Cèlestine (Stéphane Aubier, Vincent Patar & Benjamin Renner, 2012)

Su Soft Revolution parlo di documentari che vi turberanno per settimane in Consigli Filmici:

• The Invisible War (Kirby Dick, 2012)
• Jesus Camp (Heidi Ewing e Rachel Grady, 2006)

L’operazione è stata protetta dal segreto di Stato fino al 1997. Per fortuna di Ben Affleck, nessuno ad Hollywood aveva ancora girato un film al riguardo; per fortuna nostra, Ben Affleck ha fatto un lavoro magistrale appena è riuscito ad arraffare i diritti.

Argo dura due ore esatte e non ha un solo punto morto; è densissimo, ricco di dettagli storici e costruito in una perfetta combinazione di tutti i diversi filoni della trama. Nonostante la storia sia più o meno conosciuta e non ci voglia un genio per sapere come sia finita, o aprire Google e controllare, la tensione regge fino all’ultimo minuto. E non è soltanto un po’ di batticuore: è stringersi la faccia tra le mani e fissare lo schermo del cinema senza battere le palpebre.

Ma questo non è l’unico pregio di Argo: i thriller che fanno ridere — e non per il LOL — sono merce rara. La trama del film di fantascienza ovviamente si presta, ma grazie a momenti comici costruiti in maniera ottima e one-liners piazzati strategicamente, le risate non risultano mai forzate.Il film non perde mai ritmo e c’è molto humour anche in una storia che sulla carta ha ben poco di divertente.

Con Argo Ben Affleck dimostra di aver capito molto, se non tutto, del  mestiere del regista, ma un po’ meno di quello dell’attore. La sua performance legnosetta non riesce ad abbassare la qualità di un cast quasi perfetto che vede tra i tanti personaggi Bryan Cranston, John Goodman, Clea DuVall occhialuta, Kyle Chandler con dei capelli improponibili.

I film sui Grandi Eroi Americani tendono a far sbuffare anche lo spettatore più bendisposto, ma non Argo; fino agli ultimi dieci minuti, riesce ad essere un film onesto, senza gloria preventiva, e che poi si sbrodola solo nei titoli di coda con le foto degli anni ’70 messe a confronto con gli attori. E lì scatta il piangerone.

file under: non dite che non ve l’avevo detto
voto finale: 5/5
coefficiente pianto 4/5: almeno il lacrimone commosso quando parte la musichetta trionfale finale.

Tratto dall’opera teatrale omonima, Bachelorette racconta il matrimonio di Becky (Rebel Wilson) attraverso lo sguardo dell’amica Regan (Kirsten Dunst), damigella d’onore nonostante lei e tutti gli altri avessero soprannominato la sposa Pig Face quando erano al liceo.

Regan e le sue amiche Gena (Lizzy Caplan) e Katie (Isla Fisher) riescono a strappare il vestito da sposa la sera prima della cerimonia, ed hanno soltanto una notte per ripararlo, possibilmente senza che nessuna delle tre faccia una brutta fine nonostante il consumo smodato di alcool e droghe varie.

Bachelorette è feroce, sgradevole. La regista (e già autrice della versione teatrale) Leslye Headland non usa la comicità per far divertire — ogni risata è accompagnata da un brivido di imbarazzo misto a disgusto. Non c’è nemmeno un’ombra di commedia fisica, ma piuttosto sarcasmo a palate e situazioni che fanno venire la nausea alla sola idea di trovarsi nei panni delle protagoniste. Ha le premesse di una commedia romantica, ma non potrebbe essere meno romantico di così.

Con alcuni aspetti un po’ scadenti anche con la giustificazione di una prima regia — l’ambientazione non è così lampante, la regia è un po’ confusa e prende troppa velocità rispetto alle pause necessarie tra una scena madre e l’altra — riesce a rifarsi con altri aspetti davvero ottimi.

Uno dei grandi pregi di Bachelorette è che i personaggi hanno sfaccettature, invece di un solo tratto caratterizzante, nonostante nasca come commedia e i suoi tempi siano piuttosto condensati. Regan è una stronza insoddisfatta, ma è anche un essere umano ed un’ottima amica. Sia lei che Gena e Katie hanno dei danni pregressi che non mancano di riemergere e dare loro profondità, tanto che viene voglia di abbracciarle più volte durante il film — ma anche di picchiarle.

Una nota di merito per la sposa Rebel Wilson: dopo che le era stato affidato un ruolo insopportabile in Bridesmaids, riesce a riconquistare la dignità interpretando una sposa a cui non si può fare a meno di voler bene. Con Adam Scott, James Marsden e gli zigomi imbizzarriti di James Marsden come comprimari maschili, Bachelorette è in grado di creare una storia bilanciata con protagoniste supreme le donne, ma che non si rivolge soltanto ad un pubblico femminile.

Non guasta che Bachelorette sia il film più quotabile del 2012: « What do you call a bachelorette party without a bride? » « Friday? »

file under: non dite che non ve l’avevo detto
voto finale: 3,5/5
coefficiente pianto 0,5/5: potrebbe mettere un po’ di magone
Bachelorette vs Bridesmaids? Bachelorette tutta la vita.

La voglia che ho di recensire Abraham Lincoln: Vampire Hunter è pari a quella di andare in giro nel cuore della notte a piantare paletti di frassino nel petto della gente. La voglia che ho di recensire Abraham Lincoln: Vampire Hunter è tale che l’ho visto un mese fa e non avevo ancora scritto una riga. Ma dopo aver visto che su Metacritic ha soltanto un 42, ho deciso di spedirvi tutti a guardarlo anche se i critici veri non concordano. Quindi ve ne parlo.

È comprensibile che la prima reazione ad un film su Abraham Lincoln cacciatore di vampiri sia una parolaccia che fa rima con “cuculo”. Seth Grahame-Smith si meriterebbe di venire preso a sassi in bocca per aver scritto quel libro*, ma ormai i proiettili d’argento sono stati sparati e noi viviamo in un mondo dove questa cosa esiste.

Questa cosa esiste, ed è anche carina. Il film segue la vita (vera) di Abraham Lincoln sin dall’infanzia, quando suo padre viene ucciso da un misterioso schiavista; si giura di ucciderlo, ma indovinate? Lo schiavista è anche un vampiro. Fuori i paletti.

Chiunque abbia visto Wanted sa che Timur Bekmambetov sa come girare una scena d’azione: il 3D gli dà ancora più spazio per giocare con calci volanti a rallentatore e proiettili che vengono sparati in faccia allo spettatore. Certe volte la tira un po’ per le lunghe – effetto “Guardate! TRE DIMENSIONI! PIÙ SANGUE!!” – ma gli ottimi effetti speciali e coreografie riescono a far mantenere la soglia minima dell’attenzione.

Non guasta che le scene d’azione siano inframezzate da una trama che può essere chiamata tale; non è niente di eclatante o particolarmente sorprendente, ma crea più del minimo sindacale di contesto per il picchiaduro. C’è anche uno sforzo pregevole e non malriuscito di intrecciare la storia fittizia con la vera vita di Lincoln, dai grandi eventi storici come la guerra tra Nord e Sud ai dettagli personali come l’incontro con la moglie.

Anche gli attori si attestano sopra il livello “cane”: ci sono volti noti come Rufus Sewell e Dominic Cooper, mentre le uniche due donne che abbiano un minimo di rilevanza sono Mary Elizabeth Winstead e (quella stragnocca di) Erin Wasson. Il protagonista Abraham Lincoln è interpretato da Benjamin Walker, carinissimo e anche bravo, ma che per ora sembra essere destinato a fare solo roba orrenda e/o period pieces.

Per l’intera durata del film mi immaginavo Robert Redford che piangeva in una stanza buia**, ma questo non vi deve scoraggiare. Se sarete in grado di abbracciare la natura completamente cialtrona di Abraham Lincoln: Vampire Hunter, riceverete in cambio un mix bilanciato di divertimento e LOL NO – non rimarrete delusi, semmai un pochino perplessi. Se invece non potete sopportare l’idea del giovane Abraham che squarta vampiri con un’ascia, aspettate Daniel Day-Lewis e Steven Spielberg che fanno i seri.

file under: per il LOL.
voto finale: 2,75/5
coefficiente pianto 0/5: no.

* Aspettate che arrivi il film di Pride and Prejudice and Zombies che poi ridiamo.

**The Conspirator mi ha profondamente segnata.

▪ Christoph Waltz. Oh, Christoph Waltz.

▪ Ci sono attori bravissimi, poi c’è Leonardo DiCaprio. Un uomo che mi faceva tremare le ginocchia anche quando ero incapace di istinti sessuali – Titanic, 1998, anni di Marta: 7 ½. Un uomo nominato per così tanti premi che se li avesse vinti tutti, avrebbe dovuto comprare una casa solo per tenerceli. Nel trailer di Django Unchained, Leonardo sembra dire tié a chi non gli ha mai dato premi. Lui i film li fa lo stesso, e si diverte pure, Oscar o non Oscar. Coi baffoni, un drink in mano e una pistola nell’altra. Un po’ l’opposto dell’effetto che fa il trailer di The Great Gatsby.

▪ Già dal trailer, chiunque si sia occupato di tagliare barbe e baffi si merita un premio per l’outstanding facial hair trimming.

▪ Dopo la via crucis di teaser di Prometheus, un trailer che ci dice davvero cosa succede nel film – e che costruisce l’hype su quello, invece che sul nome del regista – è come un bicchierone di acqua e menta quando fuori ci sono 45 gradi. Nonostante questo, il tono del film mi è ancora poco chiaro: cosa stai cercando di dirci, persona che ha tagliato il trailer? Che Jamie Foxx passerà il film a dire “Django. Django. Django”? Che tutti gli altri personaggi invece sono decisamente loquaci? Che BAM, BAM, BAM!

▪ Cosa manca per ora è la componente regolamentare di signorine favolose. Da Quentin Tarantino – KILL BILL, PERDINCI! – mi aspetterei almeno un personaggio femminile che non sia solo e soltanto un plot device per mandare avanti la storia degli uomini. L’unica donna del trailer è Broomhilda (la moglie di Django) e persone informate sui fatti mi dicono che l’intera sceneggiatura non le fa affatto giustizia.

SWATH parte con un progetto ambizioso: tenta di radicare la fiaba di Biancaneve in un contesto realistico. Ciascuno dei personaggi chiave ha una storia dettagliata, delle relazioni pregresse al film: il principe è in realtà il figlio di un duca che vive in un’altra parte del regno, ed è un amico di infanzia di Biancaneve; la regina ha un fratello che esegue tutti i suoi ordini; il cacciatore non è solo genericamente vedovo, ma spiegarvi perché sarebbe uno spoiler. L’azione si svolge in un regno con una struttura geografica coerente, non semplicemente in vari luoghi senza relazione tra di loro.

A differenza di Mirror Mirror, tenta di scavare più nel profondo: Ravenna, al di là del nome improbabile, è ossessionata con la sua bellezza e immortalità perché sin da piccola le è stato insegnato che era la sua unica forza. L’origine della sua furia è una vendetta contro un mondo dominato dagli uomini, in cui lei sarebbe stata sfruttata finché giovane, e poi buttata via. La cosa le è chiaramente sfuggita di mano quando è andata completamente fuori di testa.

Basta vedere il trailer per capire che non basta la mascellona di Kristen Stewart per rovinare l’assoluto splendore visivo di SWATH: i costumi sono spettacolari, il castello e la foresta mozzano il fiato, gli effetti speciali rendono il tutto ancora più splendido. Con tutta quella bellezza, persino la nozione opinabile che Kristen Stewart sia più bella di Charlize Theron – dài, per favore – non sembra così assurda. Peraltro, si risolve nel fatto che il vero valore di Biancaneve sia la sua purezza, e non il suo aspetto fisico di per sé.

Il risultato complessivo di SWATH è purtroppo discontinuo, episodico, forse perché Rupert Sanders – alla sua prima regia – deve ancora capire cosa fare con tutto quel tempo, o ha semplicemente messo troppa carne al fuoco.

Ogni volta che viene introdotto un nuovo personaggio, sembra che riceva la sua piccola presentazione speciale, una character featurette all’interno del film. Le varie parti della trama, già disconnesse perché ambientate in diverse parti del reame, sono rese ancora più scollegate dal fatto che ogni cambio di location sia inframezzato da una scena di Ravenna e, quando si torna a Biancaneve, lei e il cacciatore si trovino da qualche altra parte.

Gli elementi pregevoli di questo film sono tanti – dai costumi alle ambientazioni, dalle battaglie agli effetti speciali. Così tanti che sono troppi. Ogni segmento è così elaborato, ricco di dettagli da diventare un piccolo mondo a parte. Già da solo, SWATH dura due ore e rotti: con questo problema di struttura, sembra di maratonare una miniserie, ma senza le necessarie pause pipì.

note a margine:

· Charlize Theron fa tremare le budella. Ha vinto un Oscar mica per niente, sa cosa sta facendo.

· L’accento inglese di Kristen Stewart è così pessimo che mi dispiace che il doppiaggio ve lo faccia perdere. È veramente speciale.

· Ci sono anche i Sette Nani! Otto anzi! Ma non so perché, non ho un granché da dire su di loro. A parte che sono interpretati da gente tipo: Ian McShane, Nick Frost, Eddie Marsan, Toby Jones, Bob Hoskins, Ray Winstone.

· Non dimentichiamoci The Order Of The Seven con Saoirse Ronan, nato come ennesima variazione sul tema Biancaneve e poi trasformato in non si sa bene cosa. Comunque per ora la produzione è stata fermata.

file under: il troppo stroppia.
voto finale: 3+/5
coefficiente pianto 0/5: neanche una lacrima.

*

Questo paragrafo è stato tagliato dalla recensione perché potrebbe potenzialmente essere considerato uno spoiler. Non dire che non te l’avevo detto.

Un altro errore madornale  è l’inserimento di elementi cristiani, buttati lì a caso e mai esplorati o spiegati. Biancaneve dice un Padre Nostro intero, sia i matrimoni che le incoronazioni si svolgono in cattedrali con figure religiose a compierle.

I costumi collocano la storia a qualche punto tra il Basso Medioevo e metà ’500, nel pieno della caccia alle streghe. Ravenna è una strega. D’accordo, prende il potere e ammazzerebbe chiunque si mettesse sulla sua strada. D’accordo, è un film fantasy, la coerenza storica – o la coerenza in generale – non è una priorità.

Ma inserire la religione e poi ignorarla completamente non si fa. In quel periodo storico, poi, è un elemento chiave. Non buttare alla cazzo la cristianità in un film medioevale: piuttosto tagliala fuori dal film e vai con il tuo fantasy ammazzatutti.

Questo non è il disinteresse che si prova per il regista di un film pessimo: è la rabbia di vedere un altro prodotto che potrebbe essere stato ottimo ed invece è soltanto mediocre. Di nuovo, l’aspetto visuale strepitoso – costumi e scenografie da svenimento – non giustifica un film sulle prime divertente, ma che rotola nella noia dopo mezz’ora. Tutto questo è bellissimo, sì, ma la trama? Armie Hammer in versione toy boy, sì, ma perché mi sto ammazzando di noia? Lily Collins strapazziamola di coccole, sì, ma facciamo succedere qualcosa?

La riscrittura di Biancanevein chiave comica è un’operazione che per un po’ funziona: la regina litigiosa e acidella fa ghignare ogni volta che apre bocca, le caratterizzazioni dei sette nani spiccano per originalità, Armie Hammer si conferma un genio. Il problema è che i numerosi momenti divertenti sono resi inutili da Snow White, così buona brava e bella da far venire il latte alle ginocchia. Ogni volta che il film vuole provare a fare un salto nella serietà, rotola dalla farsa (yay!) al melodramma (boooriiing).

L’inversione dei ruoli tra principe e Biancaneve  – lui impedito e scemotto, lei abile combattente – è uno dei pochi elementi della sceneggiatura che non spariscano tra copricapi bizzarri e momenti comici. Peccato che lei sia una noia mortale anche con una spada in mano e che il suo femminismo latente non sia sufficiente a salvare il personaggio.

Mirror Mirror è un film incoerente, con dalla sua una presentazione visiva eccezionale e dei buoni momenti comici, ma che affonda a picco dal punto di vista della narrazione. Tradotto: due palle, grazie al cielo c’è Armie Hammer svestito.

Tarsem ha toppato due film di seguito, dando l’impressione di essere più bravo con il set design che con la regia. Ma The Fall, ovvero il film buono, è l’unico che si è anche scritto da solo. Forse dovrebbe solo licenziare i suoi sceneggiatori.

file under: intelligente ma non si applica.
voto finale: 2,5/5 – 0,75 dato interamente dalla presenza di Armie Hammer.
coefficiente pianto 0/5: nah.

note a margine – spoiler alert: Sì, anche secondo me le sopracciglia di Lily Collins potrebbero venire sfoltite un pochino. No, non ho capito perché lo specchio delle brame sia stato trasformato in un bungalow nel mezzo del Lago di Fimon.

Ad ogni modo, mi piace sognare: la selezione non è assurda come quella falsa postata qualche settimana fa, ma sembra comunque essere stata creata su misura per me. I cinque film per i quali rinuncerei a laurearmi pur di infilarmi a qualche screening sono:

COSMOPOLIS (David Cronenberg)
Robertino Pattison – che ha un posto speciale nel mio cuore da tempo immemore – sta lentamente ritrovando la strada di una carriera sensata. Cronenberg deve riprendersi dopo A Dangerous Method e noi non vediamo l’ora.
A Cannes: sarei la fan di Robertino che ammazza le altre per stare in prima fila, ma poi fa la superiore quando nel momento clou dell’incontro.

MOONRISE KINGDOM (Wes Anderson)
C’è davvero bisogno di dire perché Moonrise Kingdom sarà meraviglioso? Rivedetevi i poster, rileggetevi il cast e fate due conti.
A Cannes: non arriverei viva alla fine della proiezione.

MUD (Jeff Nichols)
Due parole: Take Shelter. È la volta buona che inizia a starmi simpatica persino Reese Whiterspoon.
A Cannes: Porterei delle foto di cagnolini a Michael Shannon, che è nel cast anche stavolta.

ON THE ROAD (Walter Salles)
Potrebbe essere una boiata assurda. Nel mio cuore so che lo presentano a Cannes solo perché così Mascella Stewart non si deve separare da Robertino Pattinson neanche un minuto. Comunque contiamo su Sam Riley, anche se la qualità dei suoi film è spesso tanto scadente quanto lui è affascinante.
A Cannes: In coda da prima dell’alba, citando brani dal libro. Che non ho neppure letto.

HEMINGWAY & GELLHORN (Philip Kaufman)
Se l’è giocata con Madagascar 3, ma il drammone casa HBO vince tutto con l’ennesima accoppiata Nicole Kidman + Uomo Nerboruto. Tra parentesi, il medico privato di Nicole deve aver scoperto come sciogliere il botox, perché la sua faccia è tornata normale.
A Cannes: Con le scorte di kleenex e mia madre che si lamenta perché fa caldo.

1 – Il livello quasi insostenibile di girlcrush. Nel cast femminile c’è la triade Greta Gerwig – Ellen Page – Alison Pill. Cosa può andare storto con non una ma TRE dee nello stesso film?

2 – I bonazzi italiani Flavio Parenti e Riccardo Scamarcio (che non appare nel trailer, ma sappiamo che c’è). Siccome io mi sono trasferita all’estero e non devo più sputare nel piatto in cui mangio per essere cool, batto il cinque a Woody per la scelta.

3 – Benigni in un film non scritto da lui / facendo qualcosa che non sia declamare la Divina Commedia. Potrebbe essere pregevole e fare davvero ridere. Potrebbe anche far ghiacciare il sangue, ma speriamo bene.

4 – Penélope Cruz fa la strappona. Non la femme fatale. Proprio la strappona.

5 – Woody Allen non scrive un personaggio per sé-stesso-ma-da-giovane e poi lo fa interpretare da un altro. Scusate, non mi sono ancora ripresa da Owen Wilson. Jesse Eisenberg potrebbe essere a rischio, ma c’è già Allen stesso, quindi dovrebbe andare tutto bene. E poi: Jesse Eisenberg me lo vendi come ebreo neurotico? CERTO. Owen Wilson? GIAMMAI.

6 – Non c’è neanche una pizza in due minuti interi di trailer.

L’ennesima vacanza pagata di Woody Allen esce in Italia il 20 aprile 2012, il che significa che lo vedrete tutti molto prima di me. Buona fortuna, e che Alec Baldwin sia con voi.